РОССИЙСКАЯ ФЕДЕРАЦИЯ  ОБЩАЯ ИНФОРМАЦИЯ

меню раздела

Территория и государственное устройство
Природа
Население
Культура
Экономика
Регионы
Россия и мир



дополнительно

КОЛОКОЛЬНЫЙ ЗВОН
МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ В РОССИИ XIX ВЕКА
О ЧЁМ ПОЮТ ПОЭТЫ
ИЗ ИСТОРИИ РУССКОГО РОКА
Русский народный хор.
Гусляр — исполнитель былин.
Памятник Ермаку Тимофеевичу — герою множества русских народных песен.
Современные звонари. Суздаль.
И. Е. Репин. Портрет М. И. Глинки.
Музей П. И. Чайковского в Клину.
Булат Окуджава.
С. В. Малютин. «Конёк». Эскиз росписи балалайки.
Владимир Высоикий.
Андрей Макаревич.
Д. Д. Шостакович.




Warning: include() [function.include]: http:// wrapper is disabled in the server configuration by allow_url_include=0 in /var/www/u0338109/public_html/russiafederationru/general/296.html on line 90

Warning: include(http://www.russiafederation.ru/fraz/index.php) [function.include]: failed to open stream: no suitable wrapper could be found in /var/www/u0338109/public_html/russiafederationru/general/296.html on line 90

Warning: include() [function.include]: Failed opening 'http://www.russiafederation.ru/fraz/index.php' for inclusion (include_path='.:') in /var/www/u0338109/public_html/russiafederationru/general/296.html on line 90


Крупнейший сайт знакомств, более 2 000 000 пользоватей.


КУЛЬТУРА РОССИИ

МУЗЫКА. ОТ СКОМОРОШИНЫ ДО РОКА

Прислушайтесь: может быть, даже сейчас, когда вы читаете эту книгу, до вас доносятся звуки музыки... В наши дни совсем несложно познакомиться с музыкой самых разных стилей. Достаточно включить телевизор или радиоприёмник, приобрести аудиокассету или компакт-диск, и можно наслаждаться любым музыкальным произведением - не важно, где и когда оно было создано.

Но так было не всегда. Ещё в XIX в. люди могли слушать только "живую" музыку - ту, которая звучала вокруг них в дни придворных торжеств или народных гуляний, в светском салоне или на деревенской завалинке.

МУЗЫКА В ЯЗЫЧЕСКИХ ОБРЯДАХ ВОСТОЧНЫХ СЛАВЯН

Музыкальная культура любой страны уходит корнями в народное творчество, или фольклор.

О древнейшей восточнославянской музыке (см. статью "Славяне - семейство родственных народов") известно не много - в основном по материалам археологических раскопок и по отдельным историческим свидетельствам. Так, например, византийский историк VI в. упоминает о трёх захваченных в плен славянских гуслярах - значит, гусли уже в то время являлись музыкальным инструментом славян.

В Древней Руси широко были распространены народные песни, которые связаны с языческими верованиями и обрядами. Они так и назывались - обрядовые. Особое значение славяне придавали смене времён года. Переход солнца с зимы на лето, начало весны, летнее цветение трав - всё это праздновалось. Такие ежегодные праздники назывались календарными. Так же называют и исполнявшиеся во время этих праздников песни.

И в наши дни живёт один из любимых на Руси календарных обрядов - праздник Масленицы. На масленой неделе провожают зиму. Круглые золотистые блины, которые в изобилии пекут в это время, изображают солнце, дающее жизнь всей природе. Чем больше съешь блинов, тем плодороднее будет год. Как поётся в масленичной песне:

Масленица-кривошейка,
Состречаем тебя хорошенько!
С блинами,
С каравайчиками,
С вареничками!

В конце праздника из соломы делалось чучело Масленицы. С играми, танцами, песнями его сжигали.

Дошедшие до наших дней календарные песни одноголосны, их мелодии складываются из коротких попевок, в которых слышны интонации речи, - быстрого говорка или, наоборот, протяжных зовов.

Конечно, не обходилась без музыки и жизнь человека в семье. Испокон веков любимым обрядом была свадьба. Свадебный обряд буквально разыгрывался как театральное действо. Он состоял из множества самых разных сцен - и печальных, и весёлых. Участвовали в этой игре все: невеста с подружками, жених с дружками, родители, гости. Свадьба продолжалась несколько дней, а то и недель. И всё это время звучали песни.

Семейно-бытовые песни окружали человека с детства: величание новорождённого, колыбельные, детские считалки, потешки, частушки. У древних славян на протяжении многих веков был распространён обряд оплакивания и поминания умерших. Этот обряд дал жизнь одному из самых драматичных жанров - плачу-причету. В его музыке слышатся интонации горестных всхлипываний, рыданий:

Ох, ити как и тошнехонъко!
Ай, как закатипося солнышко.

Причитания обычно исполнялись женщинами, причём наиболее искусные плакальщицы ценились особо. Незадолго до образования Киевской Руси у славян возникли мужские причитания, например оплакивание дружиной погибшего князя.

НАРОДНАЯ И ЦЕРКОВНАЯ МУЗЫКА ДРЕВНЕЙ РУСИ

С момента Крещения Руси в конце X в. русская музыка разделилась на две части - народную и церковную. Они развивались параллельно, иногда противостоя друг другу. После введения христианства языческие представления о мире стали постепенно уходить в прошлое, а языческие обряды утратили своё магическое значение. Однако они остались жить, превратившись в народные игры, приуроченные к определённому времени года или к соответствующей обстановке. Правда, Церковью они сурово осуждались: вплоть до XVII в. издавались церковные указы и грамоты, направленные против любимых народом "бесовских" игр и песен.

Самым значительным явлением в народной музыке эпохи Киевской Руси стало рождение новых видов музыкально-поэтического творчества. Один из них - былинный эпос (см. статью "Былины" в томе "Русская литература", часть 1, "Энциклопедии для детей").

Исполнители произносили текст нараспев, при этом импровизируя - меняя интонацию, ускоряя либо замедляя темп повествования. А так как стихов в былине было много, от певцов требовалась богатая музыкальная фантазия. К тому же пение обычно сопровождалось игрой на гуслях. Именно исполнители былин считаются первыми на Руси профессиональными музыкантами. Их называли певцами-сказителями.

Такие одарённые певцы-сказители встречались и среди калйк перехожих - бродячих нищих слепцов. Но, как правило, сказители служили при княжеских дворах. На праздничных пирах они услаждали слух гостей, являясь предметом гордости хозяина. А во время воинских походов шли вместе с дружиной, чтобы потом воспеть доблесть русских витязей. К их числу принадлежал киевский сказитель Боян. Похвала его творчеству звучит на страницах знаменитого произведения древнерусской литературы "Слово о полку Игореве".

Интересно, что героями новгородских былин становились люди, наделённые музыкальными способностями. Умение петь и играть на гуслях в древнем Новгороде причислялось к высоким достоинствам личности. Знаменитым гусляром был купец Садко. Музыкальностью отличался и посадник Василий Буслаев, который прославился безграничной удалью и широтой натуры.

Историки предполагают, что и Садко, и Василий Буслаев - реально существовавшие люди. Но истории их судеб нередко носят сказочный характер. Так, например, Садко спускается в подводное царство и покоряет его обитателей своей музыкой. В новгородских былинах, как и в киевских, реальность щедро сдобрена вымыслом - таковы особенности этого жанра.

Наряду с искусством певцов-сказителей в Киевской Руси родился ещё один вид профессионального музыкального творчества - скоморошество.

Бродячие скоморохи выступали перед простым народом, устраивая представления на улицах и площадях; "служилые" скоморохи находились при княжеских дворах, занимая то же положение, что и шуты в странах Западной Европы. Были даже целые скоморошьи поселения.

Основой репертуара скоморохов оставались песни и пляски в народном духе, которые сопровождались игрой, как правило, на духовых инструментах: свирели, сопели, дуде, трубе, роге. При раскопках в Новгороде археологами был найден гудок - один из предшественников народной скрипки.

В эпоху Московского государства (XVI в.) на смену былине приходят исторические песни. В них описываются реальные лица и события: борьба против татаро-монгольского ига, оборона Москвы от ордынцев и др.

Много исторических песен было создано в казачьей среде. Казаки восславляли подвиги своих легендарных героев - Ермака Тимофеевича, Степана Разина, Емельяна Пугачёва. С восстанием Степана Разина связано одно из самых значительных явлений в русской исторической песне - так называемый Разинский цикл. Песни этого цикла пользовались популярностью вплоть до XIX в. Пронизанные духом казачьей вольницы, они выражали вековую мечту народа о свободе. Характер этих песен, как правило, волевой, активный. Но иногда прорываются в них и лирические ноты.

Лирика в народное творчество проникает примерно в XVI-XVII вв. Именно тогда родилась протяжная песня. Сейчас даже трудно себе представить, что когда-то протяжных песен не существовало. Ведь именно они воспринимаются как символ не только русской музыки, но и русского характера. В их медленно разворачивающихся мелодиях, охватывающих всё более и более широкий диапазон, словно отразились бескрайние дали равнинных пейзажей.

Неизбывная печаль, грусть, тоска - вот те чувства, которые "выпевались" из души в протяжных песнях. Они рассказывали и о тяжёлом крестьянском труде, и о лихой солдатской доле, и о горькой судьбе русской женщины. Протяжные песни запевались солистом, к нему постепенно прилаживались другие певцы - и вот уже звучал хор. Но наряду с протяжными всегда звучали зажигательные плясовые, удалые молодецкие.

На протяжении столетий народная музыка не записывалась. Ведь произведения народного творчества создаются и распространяются устно, передаются от одного певца к другому, из поколения в поколение. Лишь с конца XVIII в. ценители русского фольклора начали собирать тексты и мелодии народных песен. И по сей день фольклорные экспедиции добираются до самых глухих деревень в надежде найти и записать ещё неизвестные образцы старинного песенного творчества.

Иначе обстояло дело в области церковной музыки. Уже в конце XI в. русские духовные песнопения записывались особыми знаками - знамёнами, или крюками. Поэтому древние музыкальные рукописи именуют знаменными, или крюковыми. Расшифровка этих рукописей, большинство которых ещё непонятны современным учёным, является одной из самых сложных и увлекательных задач современной науки. Однако, несмотря на это, мы можем представить, как звучали знаменные песнопения, - ведь они, так же как и народные песни, передавались ещё и устно.

Древнерусская церковная музыка - это хоровое пение без инструментального сопровождения; в Православной Церкви не принято играть на музыкальных инструментах. Знаменный распев исполнялся только мужским хором и долгое время был одноголосным. Ему свойственны неторопливый темп, плавность мелодического движения - словом, сдержанность и даже некоторая суровость звучания.

В развитии знаменного пения большую роль сыграли новгородские распевщики. Один из них, Сав-ва Рогов, в середине XVI в. возглавил школу московских певцов и распев-щиков. В то время в Москве существовал большой хор "государевых певчих дьяков", который участвовал в царских богослужениях и наблюдал за состоянием церковного пения во всей стране. В хоре были лучшие распевщики - например, Фёдор Крестьянин, чьи произведения до сих пор звучат и в церкви, и на концертах духовной музыки. По этим образцам мы смело можем судить, что именно в XVI в. знаменный распев достиг своего расцвета. Московские митрополиты, а затем и патриархи в XVI- XVII вв. содержали хоры из нескольких десятков певчих.

В XVII в., после воссоединения Украины с Россией, в церковной музыке происходят ещё более сильные изменения. На Украине в то время уже использовалась нотная запись. В России она тоже стала вытеснять крюковую. Пение по нотам (по партиям) назвали партесным (от поздне-лат. partes - "голоса"). Так же стали называть и новый стиль церковной музыки, пришедший со временем на смену знаменному распеву.

Партесное пение многоголосно. Высочайшим достижением этого стиля является хоровой концерт - самая сложная форма русского музыкального искусства XVII в. Хоровые концерты звучали во время праздничных богослужений. В их исполнении участвовали два, три, четыре, а иногда и шесть хоров. А ведь каждый хор сам по себе был четырёхголосным. Так что общее количество голосов могло достигать двадцати четырёх! Хоры располагались вокруг слушателей, и их звучание создавало впечатляющий стереофонический эффект.

СВЕТСКАЯ МУЗЫКА XVII-XVIII ВЕКОВ

В контактах с европейской культурой многое (в том числе освоение музыкальной культуры) зависело от вкусов царского двора. Так, ещё в царствование Ивана Грозного в Москву привезли орган. Дети Бориса Годунова играли уже на клавесине. А при дворе Алексея Михайловича (1645-1676 гг.) открылся первый театр, где ставились оперы. Однако особенно бурно и стремительно новые формы музи-цирования развивались в эпоху петровских реформ.

При Петре I (1682-1725 гг.) без музыки не обходилась ни одна общественная церемония, ни один придворный праздник По специальному царскому указу в каждом полку были созданы духовые оркестры. Они играли во время военных парадов и театрализованных шествий, посвящённых победам русского оружия. Здесь же звучала и торжественная хоровая музыка: пелись так называемые приветственные, или виватные, канты (от лат. cantus - "пение", "напев", "песня"). На дворцовых балах, которые тогда назывались ассамблеями, исполнялись танцы, пришедшие из Европы. Сначала они нравились не всем - царю приходилось заставлять своих подданных танцевать полонезы и англезы. Но вскоре европейские танцы стали популярны.

Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором. Примеру двора последовали крупные помещики и вельможи. В своих усадьбах они создавали оркестровые и хоровые капеллы. Капеллы состояли из крепостных, но игра их достигала уровня профессиональных европейских музыкантов.

Постепенно у дворян вошло в обычай домашнее любительское му-зицирование. На домашних концертах исполнялись "галантные" арии и любовные канты, часто на итальянском и французском языках. Любили петь и обработки русских народных песен. Они исполнялись под аккомпанемент (от франц. accompagne-ment - "сопровождение") клавесина, арфы или гитары. Обучение музыке стало обязательной частью воспитания молодых дворян.

Увлечение европейской музыкой привело к созданию придворного театра итальянской оперы, в котором работали выдающиеся итальянские композиторы, выступали прославленные итальянские певцы. Позже при дворе появилась и французская оперная труппа. А во второй половине XVIII столетия в Москве и Санкт-Петербурге открылись музыкальные театры, где были поставлены первые оперы русских композиторов.

XIX ВЕК. РОЖДЕНИЕ РУССКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КЛАССИКИ

Рождение национальной классической музыки в любой стране происходит тогда, когда композиторы начинают работать в жанрах, характерных для всей Европы, - от оперы до симфонии, от романса до фортепианной миниатюры. В России эти жанры были освоены в XIX в., и с тех пор русская музыка стала неотъемлемой частью общеевропейской культуры, сохранив, однако, национальный характер.

Персонажами многих произведений стали герои русской истории. Идеи патриотизма зазвучали и в музыке - например, в оратории "Минин и Пожарский" Степана Аникиевича Дегтярёва (1766-1813), в опере "Иван Сусанин* Катерино Альбертовича Ка-воса (1775-1840).

Русский характер раскрывается не только в исторической реальности, но и в сказочном вымысле. Народные сказки, легенды, поверья, "преданья старины глубокой" вошли в творчество отечественных композиторов с оперой "Леста, днепровская русалка". Она так понравилась публике, что в продолжение её возникли ещё три оперы с таким же названием (большая часть музыки в них принадлежит Степану Ивановичу Давыдову). Самой же популярной сказочно-фантастической оперой стала "Аскбльдова могила" знаменитого в то время композитора-романтика Алексея Николаевича Верстовского (1799-1862). В ней романтическая история любви развивается на фоне легендарного прошлого Древней Руси и переплетается со зловещими фантастическими событиями.

Конечно, волновала композиторов и душевная жизнь их современников. Тончайшие оттенки чувств запечатлены в лирических мелодиях романсов. С течением времени они стали отражать всё более сложные внутренние переживания, разочарованность в окружающей действительности и стремление к иной, более светлой жизни. Среди авторов прославленных русских романсов - композиторы Александр Александрович Алябьев (1787-1851), Александр Егорович Варламов (1801 - 1848), Александр Львович Гурилёв (1803-1858).

Создавая самобытную музыку, композиторы стремились выработать особый музыкальный язык. Его интонации черпались из мелодий народных песен, мотивов церковных песнопений, звучаний колокольных звонов. "Мысль писать по-русски" стала определяющей и для творчества Михаила Ивановича Глинки (1804- 1857).

М. И. Глинка работал, казалось бы, в типичных для своего времени музыкальных жанрах. У него есть героико-патриотическая опера на исторический сюжет "Жизнь за царя" ("Иван Сусанин"), есть опера-сказка "Руслан и Людмила", есть лирические романсы. Однако именно его называют "Пушкиным русской музыки", а день премьеры оперы "Жизнь за царя" - 27 ноября 1836 г. - считают днём рождения отечественной музыкальной классики, потому что в этом произведении Глинка впервые в русской музыке "возвысил народный напев до трагедии".

В 1862 г. в Петербурге начала работать Бесплатная музыкальная школа, призванная распространять музыкальное образование среди широких кругов населения - служащих, студентов, ремесленников. Своим появлением школа была обязана ещё одному знаменитому русскому музыканту - Милию Алексеевичу Балакиреву (1836/37-19Ю). Он вошёл в историю музыки прежде всего как основатель творческого содружества "Могучая кучка". Будущий композитор и пианист приехал в Петербург из Нижнего Новгорода в возрасте 18 лет. Широкая музыкальная эрудиция и яркий темперамент позволили ему завоевать большой авторитет в среде молодых музыкантов-любителей. В 1856 г. с ним познакомился военный инженер Цезарь Антонович Кюи (1835- 1918), через год - офицер Преображенского полка Модест Петрович Мусоргский (1839-1881). В 1861 г. к ним присоединился 17-летний выпускник Морского Шляхетского кадетского корпуса Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844-1908), а в 1862 г. - профессор химии Александр Порфирьевич Бородин (1833- 1887). Так сложился кружок из пяти начинающих композиторов. В тесных творческих отношениях с ними находился выдающийся литературный и музыкальный критик, большой знаток искусства Владимир Васильевич Стасов (1804-1906). Именно его выражение, употреблённое в одной из статей - "маленькая, но уже могучая кучка русских музыкантов" - закрепилось за содружеством в качестве названия.

На собраниях кружка композиторы много внимания уделяли изучению как лучших произведений европейского классического наследия, так и современной музыки. Общение для молодых музыкантов являлось не только школой профессионального мастерства; здесь складывалось их общественное мировоззрение и эстетические принципы. Члены "Могучей кучки" продолжили дело М. И. Глинки: главной темой их творчества стала жизнь народа.

Композиторы "Могучей кучки" стремились создавать музыку, доступную и понятную широкому кругу людей. Поэтому они предпочитали обращаться к жанрам, связанным со словом. Это были опера и романс, а также программные инструментальные сочинения, имеющие прообразы в произведениях литературы или живописи.

Особое место в русской музыке второй половины XIX в. занимает творчество Петра Ильича Чайковского (1840-1893). Гениальный дар этого композитора проявился прежде всего в отражении внутреннего мира человека. Симфонии П. И. Чайковского, его оперы и романсы могут потрясти глубиной трагизма и в то же время вызвать благоговейный восторг своим совершенством.

МУЗЫКА XX ВЕКА

Рубеж XIX-XX вв. - особый период для русской культуры. Это время проникнуто ощущением близости великих перемен. Музыка, быть может, лучше других искусств отразила грозовые предчувствия того времени. Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943) и Александр Николаевич Скрябин (1871/72-1915), каждый по-своему, передали щемящую грусть расставания с уходящей Россией и захватывающую радость создания нового мира.

Удивительно, но в самые тяжелые и голодные послереволюционные годы музыка переживала поистине невиданный расцвет. Многократно возросло количество концертов. Большие и маленькие, симфонические и камерные, концерты-митинги и концерты-лекции - они проводились и на филармонических площадках, и в залах бывших дворцов, и в приёмных военных госпиталей, и в помещениях рабочих клубов. В них принимали участие как профессиональные музыканты, так и самодеятельные коллективы. Музыкальная жизнь 20-х гг. отличалась удивительной пестротой, смешением самых разных жанров.

Потребность в новых песнях была настолько велика, что вначале многие композиторы приспосабливали к революционным текстам мелодии старых, известных ещё до революции маршей и романсов. Так возникли матросская "По морям, по волнам", красноармейская "Красная Армия всех сильней", комсомольская "Там вдали, за рекой" и др.

Вскоре появились и первые советские песни, лучшие из которых сплачивали людей и в годы трудовых свершений первых пятилеток, и в лихолетье Великой Отечественной войны.

Характерно, что песенные темы становились основой произведений крупных жанров - хоровых кантат и ораторий.

Они проникали в оперную и балетную музыку, в симфонические произведения. (Например, в балете Рейнгольда Морицевича Глиэра (1874/75-1956) "Красный мак" звучит мелодия "Интернационала" и популярнейшая тема "Яблочка".) Но, конечно, музыкальное творчество 20-х гг. не ограничивалось работой с песенным жанром. Это было время интенсивных поисков и смелых экспериментов, от которых и сейчас захватывает дух. Трудно представить себе симфонию, которая звучит на улице в исполнении оркестра, состоящего из заводских и паровозных гудков. Или джазовую композицию ансамбля "шумовиков", в который входят губные гармошки, сделанные из простых расчёсок, картонные трубы, мандолины из консервных банок, бутылки с водой, деревянные ложки, линейки, счёты и т. д. А вот музыка, сопровождающая немое кино: в ней используются ритмы популярных в эпоху нэпа танцев - танго, фокстрота, шимми. Наряду с этим - жанры "высокой" музыки, осваивающие последние достижения европейского авангарда...

В 30-х гг. подобное музыкальное многоцветье было уже невозможно. В это время начинают образовываться творческие союзы писателей, художников, композиторов. Им было поручено управлять культурой и выработать единое направление развития советского искусства. Безусловно, такой подход ограничивал свободу творческой личности. Но на первых порах объединение усилий сыграло и положительную роль как в осмыслении прошлого музыки, так и в её развитии. Народное творчество и русское классическое наследие получили заслуженную оценку. Стало возможным сочетать новаторство последнего десятилетия с традициями предыдущих столетий.

Для музыки такое сочетание оказалось чрезвычайно плодотворным. Именно в 30-х гг. произошло рождение советской музыкальной классики. Дмитрием Дмитриевичем Шостаковичем (1906-1975) были написаны опера "Катерина Измайлова" и Пятая симфония; Сергеем Сергеевичем Прокофьевым (1891 - 1953) - балет "Ромео и Джульетта" и музыка к кинофильму "Александр Невский". Невозможно представить себе это время и без музыки Исаака Осиповича Дунаевского (1900-1955) к популярным кинофильмам.

В годы Великой Отечественной войны быстрее всего реагировала на события песня. Суровая и мужественная "Священная война" была написана Александром Васильевичем Александровым (1883-1946) незадолго до начала войны. Премьера песни состоялась не в концертном зале, а на Белорусском вокзале в Москве, откуда отправлялись на фронт эшелоны с бойцами. Задорная "Катюша", задушевно-лирические "Тёмная ночь" и "В землянке", бойкие "Вася-василёк" и "На солнечной поляночке" - все эти песни вошли в военные будни, стали частью жизни фронта и тыла. А сколько их ещё было - фронтовых песен, верных солдатских друзей!

Произведения самых крупных музыкальных жанров - опера, симфония - рождались в годы войны не менее "оперативно", чем песни. (Обычно создание произведений этих жанров растягивается на месяцы, а то и на годы.) Безусловно, самым выдающимся событием в музыкальной жизни военных лет явилось создание и исполнение в блокадном Ленинграде Седьмой симфонии Д. Д. Шостаковича. От голода у большинства музыкантов оркестра не было сил каждый день приходить на репетиции. И они предпочитали вообще не возвращаться домой - лишь бы дожить до концерта! Симфония потрясла весь мир как величайшее творение человеческого духа. Теме войны посвящена и Пятая симфония С. С. Прокофьева. Во время премьеры, состоявшейся в 1944 г. в Москве, композитор дирижировал оркестром сам. Современники вспоминают, что, когда он поднял дирижёрскую палочку перед финальной частью, за окнами раздались залпы салюта в честь очередной победы советских войск.

Новое время наступило для музыки в 60-х гг., вошедших в советскую историю под названием "оттепель". Движение нашего общества к внутренней свободе и внешней открытости тогда только обозначилось. Но в музыку сразу вернулось разнообразие манер и стилей, которое необходимо искусству для полноценной жизни. Тогда ещё работали великие мастера старшего поколения и вступали в пору творческого расцвета те, кто развивал лучшие традиции русской классической музыки. Нельзя не вспомнить, например, мелодическое богатство вокальной лирики Георгия Васильевича Свиридова (1915-1998). Молодые композиторы считали, что необходимо изучать достижения мирового музыкального авангарда. За короткий период они освоили приёмы музыкального письма, выработанные разными направлениями зарубежной музыки в те десятилетия, когда российская культура была от неё отгорожена. Все жанры: от эстрадной песни до оперы, от музыки к кинофильмам до симфонии - попадают в сферу глобального экспериментирования; в этом 60-е схожи с 20-ми гг. Без подобных экспериментов невозможно представить себе, например, развитие творчества Альфреда Гарриевича Шнитке (1934-1998) и Софии Асгатовны Гу-байдулиной (родилась в 1931 г.).

В 90-х гг. XX в. по количеству поклонников могут поспорить между собой рок- и поп-музыка. В каждом из этих направлений по-своему отражается современность - её сила и слабость, её надежды и отчаяние, а главное - устремлённость вперёд. Не ослабевает интерес и к классике: залы консерваторий переполнены истинными ценителями, особенно во время концертов знаменитых исполнителей. История продолжается. Музыка в России не перестаёт звучать.